Gallery Baton

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February 16, 2017 - March 18, 2017

Gallery Baton is delighted to announce Anna Han’s solo exhibition ‘Pawns in Space 0.5’ from 16th February to 18th March in Apgujeong, Seoul. Anna Han reveals a series of paintings and installations adopting ‘Place and Space’ as their main subject in this solo show. 

Since Lucio Fontana(1889 - 1968) anticipated in his White Manifesto(1946), there have been attempts to actively embrace non-traditional aspects and a concept of space in a realm of art, breaking from the physical restriction—in other word, canvas. It is named as Spatialism which has made meaningful contributions to expandability of contemporary art. Space, a three-dimensional figure generated by adding another dimension on a plane, includes various objects, light, sound, and performance. Consequently, it has provided theoretical and practical foundations to enrich the postwar era’s art. Also, in Han’s practice, space is not restricted to an ancillary role for manifesting a work of art, whereas it carries out an active function as a platform, reflecting the artist’s mental image and organically accommodating an array of disparate artistic elements and paintings. 

Anna Han injects her psychological approach into physical places through her working process: re- interpreting existing spaces with an inspiration evoked there: compressing and conveying her life stories and her inner world in the practice. Han engages with specific spaces, rationally at times or emotionally sometimes. This private attachment is projected in the manner of modifying the given spaces or appending diverse materials to them. As a result, it allows spectators to sense the presence and properties of the space and also to disclose their own sensitivity. The artist occasionally has taken her particular recollections and sentiments of the past as her leitmotif, while in this solo show, she concentrates on the inspiration solely produced by the space. 

Anna Han tries to distort the open gallery space of Baton by employing almost all the factors that she presented in her previous works. By exploiting a variety of materials such as neon, fabrics, mirrors, carpets, LED lights, treads, paints, and vinyl sheets, she measures off the space and effectively unfolds flat components onto it. For Anna Han, a canvas signifies an object possessing a sense of independence and it is the most fundamental unit which allows her to express and contain certain spaces. Therefore, light, colour, lines and faces—artistic languages embodied in diverse media—are utilized as an extended module for her paintings. In addition, mystical colours and gradations enable her paintings to gain a visual depth. Although they are two-dimensional, the paintings attain spatiality more than installations would, and imitate the infinity of the void as well as they maintain painting’s traits. Small installations placed around the painting create boundaries and occupy the exhibition space in their own mode. Thus, the white cube operates as though it were a microcosm where each piece has a symbiosis relationship, yet developing its individual identity. 

Installations and paintings have been functioning as an independent existence in Han’s work. However, in this show, she not only emphasizes formative features of installations and paintings, but also newly composes the flow of human traffic and enlarges the existing territory through her sensible directing considering the overall harmony. The artist assigned locations to each canvas and distributed suitable spaces corresponding to it. Ultimately, her installations and paintings encompass the entire space and hold individual narratives at the same time. Anna Han carefully arranged the pieces, retaining the interesting contradiction, without a collision or a disruption; in the vast expense of the gallery, the installations and paintings support each other and obtain separate spatiality so long as they do not hamper the whole space’s accordance. 

Especially this solo exhibition introduces a rhythmical and rich format. Anna Han believes that space is an impression originated from experiences and so she intends to deliver this impression by applying various media, materials, colours and compositions. Viewers are invited to the space densely reconstructed by being comprised of a wide range of colours, sizes, resources and forms. Accordingly, they encounter formative and aesthetic factors of the space which sublimates into the 
artwork itself. Moreover, she produces zest of physical and corporeal experiences coordinated by Anna Han style’s space where small and big works deployed in diverse heights and directions outstretch the audience’s visual field towards omnidirectional parts within the limited space. For that reason, the spectators would fully perceive its physical property and a sense of existence abided in the space, beyond appreciating a piece of art. 

Anna Han studied Fine Art at Pratt Institute, New York and Cranbrook Academy of Art, Michigan, USA. After graduating from Skowhegan School of Painting & Sculpture, she has participated in numerous internal exhibitions at OCI Museum, Goyang Aram Nuri Arts Centre, Dongdaemun Design Plaza and Busan Biennale Special Exhibition and presented her work diverse regions in USA, such as New York, Michigan and Maine. Also, she was a selected artist of international residency programmes in Cheongju, Goyang, New York and Bed Ems and her practice is represented in several collections including Seoul Museum of Art.
갤러리바톤은 애나 한(Anna Han, b. 1982)의 개인전 ‘폰즈 인 스페이스 (Pawns in Space 0.5)’ 를 2월 16일부터 3월 18일까지 압구정동 전시 공간에서 개최한다. 애나 한은 이번 전시에서 장소와 공간을 주제로 한 설치 작품과 일련의 회화를 선보인다.

루치오 폰타나(Lucio Fontana, 1889 - 1968)가 백색 선언(White Manifesto, 1946)에서 주창한 이래 캔버스라는 물리적 구속에서 탈피하여 공간과 비전통적 요소들을 작품의 영역에 적극 포함시키는 일련의 시도들은, 공간주의 (Spatialism)로 명명되며 현대 미술의 확장성에 지대한 공헌을 하였다. 차원이 추가 되면서 생겨난 입체, 즉 공간은 다양한 오브제와 빛, 소리, 퍼포먼스 등을 포용하며 전후 동시대 미술의 심층화에 이론 및 실천적 토대를 제공하였다. 애나 한에 있어서도 공간은 작품의 시현을 위한 보조적 역할에 국한되지 않고, 일련의 회화 작품과 이질적인 미술 요소들을 유기적으로 품어내고 작가의 심상을 투영하는 일종의 플렛폼으로써의 능동적 기능을 수행한다.

애나 한은 주로 주어진 장소에서 영감을 받아 공간을 재해석하거나 자신의 삶과 내면세계를 압축해 담아내는 과정을 통해 공간이라는 물리적 장소에 심리적 접근을 더한다. 특정한 공간은 애나 한에게 때로는 이성적이고 때로는 감성적으로 다가오는데 이러한 사적인 애착은 주어진 공간을 다양한 재료로 덧 입히거나 변형시키는 방식으로 입사되고, 관람객에게 공간적 물성과 존재감을 주면서도 자신의 감성을 공유할 수 있도록 이끈다. 과거 특정 감정이나 기억을 소재로 작품을 풀어내기도 했지만, 이번 개인전에서는 주어진 공간이 주는 영감에만 집중하는 접근방식을 취한다.

애나 한은 기존 작품에서 선보인 대부분의 요소를 총망라해 갤러리바톤의 확 트인 전시공간이 지닌 차원을 왜곡한다. 네온, 천, 거울, 카펫, LED 라이트, 실, 페인팅, 시트지 등 다양한 재료를 사용해 공간을 구획하며 평면 요소들을 효과적으로 공간에 펼쳐낸다. 애나 한에게 캔버스는 독립성을 지닌 오브제이자 공간을 표현하고 담아낼 수 있는 가장 기본적인 단위이고 다양한 재료로 구현된 빛, 색, 선, 면 등의 조형언어는 회화를 위한 확장적 모듈로 활용된다. 신비로운 컬러와 그라데이션으로 입체감을 부여한 회화는 평면임에도 설치 이상의 공간성을 획득하며, 회화 자체로 공간(void)의 무한성을 모방한다. 회화를 중심으로 펼쳐진 작은 설치물은 각자의 방식으로 전시장을 점유하며 경계를 만들고, 각기 다른 자아를 만들며 공생하는 작품이 모인 화이트 큐브는 마치 소우주처럼 작용한다.

그동안 애나 한의 설치와 회화는 독립적인 존재로 기능했다. 하지만 이번 전시는 설치와 회화 각각의 조형적인 면을 부각하면서도 전체적인 조화를 염두에 둔 감각적인 연출로 기존 공간을 확장하고 동선을 새로이 구성한다. 작가는 캔버스마다 장소를 지정하고 그에 부합하는 공간을 선사하며, 설치와 회화는 하나의 공간을 아우르면서도 개별 스토리를 지닌다. 작품은 서로 부딪히며 방해하지 않고 상충할 수 있도록 구성됐으며, 거대한 전시공간 안에서 회화와 설치는 서로 지지하며 전체적인 공간을 흐트러트리지 않는 선에서 각기 다른 공간성을 부여받는다.
이번 전시는 특히 구성방식에서도 경쾌하고 다채롭다. 애나 한은 “공간은 경험에서 오는 느낌”이라고 믿으며, 다양한 매체, 재료, 색상, 구도로 공간에 대한 인상을 담는다. 관람객은 작가가 색, 크기, 형식, 재료를 다양하게 선보이며 밀도 있게 재구축한 공간으로 이끌려 들어가 작품 자체로 승화한 공간의 조형성과 심미성을 경험한다. 특히, 다양한 높이와 방향으로 배치한 크고 작은 작품은 제한된 공간 안에서 관람객의 시야를 전방위로 확장하며, 애나 한식 공간이 제공하는 물리적이고 신체적인 경험의 묘미를 선사한다. 이로 인해 관람객은 작품 감상의 단계를 넘어 공간이 지닌 물성과 존재감을 오롯이 느낄 수 있을 것이다.

애나 한은 뉴욕 프랫인스티튜트(Pratt Institute)와 미시간 크랜브룩아카데미오브아트(Cranbrook Academy of Art)에서 회화를 전공했다. 스코히건스쿨오브페인팅앤스컬프처(Skowhegan School of Painting & Sculpture) 수학 후, OCI미술관, 고양아람누리미술관, 동대문디자인플라자, 부산비엔날레 특별전 등 국내 유수 기관과 뉴욕, 미시간, 메인 등 미주 지역의 다양한 전시에서 작품을 선보였다. 청주, 고양, 미국 뉴욕, 독일 바트엠스(Bad Ems) 등 국제적인 아티스트 레지던시에 참가했으며, 서울시립미술관 등 다수 기관에 작품이 소장돼 있다.